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王文武
摘 要：《图兰朵》灌注了意大利最伟大的真实主义歌剧作曲家之一的普契尼大师太多的心血和热情，作为一代大师的华丽绝唱，《图兰朵》无论在规模还是在篇幅、歌剧内容的丰富上都具有极强烈的史诗气概，堪称普契尼大师一生华彩艺术成就的真实写照。
关键词：《图兰朵》 浪漫主义 普契尼 风格
也许正因为在《图兰朵》中沁入了太多的心血，一代真实主义大师普契尼最终灯尽油枯倒在了病床上，而未尽的一幕虽然在阿尔法诺的整理下打了折扣，但也未能丝毫影响到《图兰朵》在普契尼大师半个多世纪艺术生涯中的地位，更没有让《图兰朵》在世界歌剧殿堂里的销声匿迹。
一、 普契尼大师与歌剧《图兰朵》
从10岁开始进入唱诗班，到22岁进入米兰音乐学院学习，再到《安魂曲》、《托斯卡》以至于未尽的《图兰朵》。普契尼的艺术生涯伴随着欧洲歌剧艺术的鼎盛而逐渐璀璨。作为威尔第的追随者，生动写实的风格使得普契尼的一生创作都围绕于小人物的生活情感，富于了歌剧大量的生活气息，而恰恰是这些生活气息与华丽乐章、鲜明旋律色交织使得普契尼描绘的蝴蝶夫人、咪咪、托斯卡更加栩栩如生，给予观众更强烈的感染力和即入感。
二、 《图兰朵》的演唱风格与演唱技巧
对于沁入普契尼大师临终全部心血的《图兰朵》而言，其塑造的人物形象各异，身份、背景、经历的不同使得几个关键的人物形象：卡拉夫、柳儿、图兰朵、阿尔图姆形成了极为巨大而又理所当然的反差。而且随着故事的发展，人物形象逐渐在爱情、权力的变换间逐渐变得丰满。舞台表演中，为了丰富地展现出各位人物之间的关系脉络以及情感交织的内涵，演唱者必须在多方面进行体会和感悟，而这一切均是在扎实的演唱基本功的条件下铸造的。
《图兰朵》中典型的普契尼式咏叹调的大量使用使得演唱过程更容易随着一唱二咏三叹间表现出人物的丰富内心感情。但要注意的是不同的人物形象所需要的演唱基本要求和演唱表达方式是完全不同的。作为公主的图兰朵，高亢明亮的女高音彰显出来皇家的尊贵；而蒙古皇帝阿尔图姆的男高音更是描绘出了帝王冷血与专制的蛮横；相比于阿尔图姆的霸道与威严，帖木儿的高贵与无奈用低音的搭配才显得相形得彰；至于全剧中最富于牺牲精神和浪漫精神的柳儿，明亮又不是婉转的女高音让人物形象更加的栩栩如生.....因而在该剧的演唱方面，对于不同的人物形象进行的演绎，在感知剧情脉络走向的格调下进行的演绎还要兼顾到人物本身的身份地位以及相应的人物气质，否则极容易在演绎中有失偏颇，丧失了原有的韵味。
1.卡拉夫经典唱段《无人入睡》段
年轻的卡拉夫经受了童年的贵族熏陶，又经过了数年的颠沛流离，饱经风雪却又心存爱情的希望。在猜中公主的三个谜语后，公主为了自己的一己自由，全程搜寻这个王子的名字。这一段是一直以来各位男高音歌唱家较为喜爱的片段之一，曲调明亮、婉转而又蕴含温情和爆发力。该段以轻盈的前奏开始，展示出了一个夜深人静的静谧画面，然后用天上的点点星光来表现卡拉夫对公主的想念。这想念之中既透露出了他猜中谜语之后的欣喜，也传达出了他对赢得公主爱情的信心，因而在高潮段略显痴狂的夸张表演更加印证了这一点。而在高潮段28～31节乐队弦乐、木管、铜管的大合奏将这一内心情感推向极致。因而在该段的演唱中，如果男高音不能从前奏的婉转中把握住人物内心情感演变（从思念到自信）的脉络，那么在中段的共同和弦段极容易因为跟不上节奏而出现失误。
而即便是同一个人物形象，在不同的场景中所采用的演唱技巧也是不尽相同的。开场的图兰朵的冷漠与高贵、谢幕高潮的感知与激情用同样的高音技巧是完全不能体会个中滋味的。而事实上，高潮部分的图兰朵的高音部分演唱难度比开场的难度要高的多，这些从人物内心情感的感触与表达中可见一斑。而对于原脚本中并不存在的柳儿，却又恰恰是大师倾注最多心力的柳儿的演绎方面，这种不同的风格转换又显得极为的突出和重要。
2.柳儿临终演唱段《你那冰冷的心啊》
柳儿最终耗尽了自己的生命之火来保护王子，并用自己的生命教诲图兰朵公主爱情的真谛，她的死是忠诚的体现，但更是爱的无私奉献。这一段的咏叹是整个柳儿歌唱片段的高潮，也将全剧推向了高潮。
在这段的咏叹演唱中，对情绪的掌控和对感情的释放远比词曲的准确要重要得多。柳儿内心的感情充满了对王子的情愫，又充满了对命运的遗憾，更充斥着对公主的复杂情绪。种种交织在一起，在得知自己要告别所依恋的一切时涌上心头，共同刻画出来了一个柔弱女子对命运的无奈与无助和对爱情的坚持与坚强。而演唱过程能否动情就是这一段能否将剧目推向高潮的关键所在。而事实上，很多演唱者在进行这段的演绎时往往“放得出去但却收不回来”，结果让弱女子的无奈与倾诉变成了泼妇骂街式的滑稽，反而影响了演唱效果。
在这段演唱中，演唱者必须要深刻把握住柳儿的内心情感波动，将感情抒发出来最为第一要务，既要放得出去感染到关注，也要收得回来给观众留下回味空间，因而需要反复的练习中仔细地体会个中滋味。对音乐节奏的把握是咏叹唱法抒发感情的基础，而对韵律节奏的把握就更是对感情收放是否自如的一个最基本要求。在平常的训练和表演中，演唱者要特别注意表演和吟唱的结合，在节奏平稳缓慢的悲凉气氛中注意尾句的坚韧和恳切。
三、 不同版本的演绎风格
《图兰朵》在歌剧殿堂中的地位使得近百年的时间里一代代人对它进行了不同风格的演绎。而时过境迁，斯卡拉歌剧院版本已经无从考证，近些年较为出色的几个版本的演绎却很值得玩味。
1.1988年大都会歌剧院版
经过二次世界大战的洗礼，世界歌剧中心逐渐从严谨而又浪漫的欧洲转移到了开放活泼的北美大陆。而1988年大都会打造的《图兰朵》因其华丽优美的舞台美术技巧以及国际化的创作班底的改造取得了巨大的成功。
该版本还原了《图兰朵》中臆想出来的古中国原貌，并进行了大量的舞台布置技巧，使得歌剧的表演给了观众视觉上极大的感情冲击。但由于这种冲击是建立在完全脱离实际情形的臆想之中的古中国原貌，因而从一开始就注定了这种还原与原剧存在着巨大的沟壑。
这个版本作出了另外一个大胆的创新，吸取了众多的亚洲文化，特别是大量的中国文化的嵌入，从服饰、唱词以及曲调甚而演员面孔等，强烈的中国风气息使得这个版本虽然存在着一定的缺陷但是给当时的歌剧表演带来了全新的体验，加速了《图兰朵》的中国化演绎的进程。
2.张艺谋版《图兰朵》
我国著名导演张艺谋在《图兰朵》表达方面做出了大胆的中国化尝试，大量中国意境的融入使得臆想出来的中国画有了坚实了落脚点，而且新技术、特效的大量运用又让这份意境流动起来，甚而让整个画面活动起来，让观众有了3D观看的感受。但包括后来其他的几个国产改编《图兰朵》类似，这个版本过于中国风的改编丧失了意大利歌剧传统的雄伟气势（这部分恰好是普契尼对自己风格浓墨重彩的突破尝试），而且在剧幕的转换方面也呈现出了一定的生硬。在震撼之于反而徒生了一些《满城尽带黄金甲》之于《雷雨》的感觉。
3.2009年鸟巢版本《图兰朵》
2009年在鸟巢体育场进行的《图兰朵》集合了声光、音效、特技等现代高科技于一体，立体音响的大量引用使得普契尼临终绝唱蕴含的恢弘气势得到了很好的展示。钢筋结构与古典歌剧的交融让这个版本的演出表达了极为强烈的古今交流、中外融合的冲击力与爆发力。而且经过多年的摸索与努力，卡拉夫、柳儿、图兰朵的演唱者在感情的收放与情绪的渲染方面在扎实的演唱功底下显得更加的驾轻就熟，这也让台上各位主角的人物形象摆脱了以往改编版本的呆板与木讷形象，情节转换也不再像太庙张艺谋版本的生硬和干枯，使得更易于理解和接受。除此之外，这个改变版本最大的贡献更在于在人物形象的塑造方面摆脱了以往改变外国曲目所带来的隔离感，彰显出更大的本土特色，也更加为国内观众所接受（虽然对于亚平宁极保守派的观众而言这种改编是对大师的作品不可饶恕的亵渎）。但换种角度而言，如果歌剧的演出风格不能为观众所能接受，不能根据受众的不同而做出调整，大师的作品恐怕也只能枯坐一寓、沾满尘埃了吧，这不失为一种遗憾。
可以说，2009年鸟巢版图兰朵虽然在实际演出方面还存在一丝瑕疵（当然，在纯钢筋体育场里进行歌剧演出效果本身就差剧场一个档次），但也不失为近年来国内较为出彩的一次改编尝试。在未来的《图兰朵》中国化改编尝试中，可以在声光音效等方面的运用中大量的借鉴鸟巢版的经验。
对比大都会、张艺谋、鸟巢三个版本的《图兰朵》表演，可以发现：大都会版本的改编尝试虽然在很多地方存在不少的问题，尤其是对整个歌剧氛围脉络的改变存在有不少的争议，但它为《图兰朵》的创造性改编，特别是中国化的改编打开了一扇窗户，为《图兰朵》的发展做出了巨大的贡献；而张艺谋版的《图兰朵》算得上是第一次成功的中国化改编，无论声效灯光特技的使用均为后来的改编提供了很好的范本，同时为后来的改编提出了“歌剧虽然是现代声乐与光影的交融，但依然是一项主要依靠人来演唱的表演”的建议，这在鸟巢版的成功中得到了很好的体现：虽然音效、场地、特效等为演出的成功大幅加分，但演唱者扎实的基本功、清晰的人物感情收放才是这次演出成为近年来最出众的改编版本的关键。
结语
这就告诉我们一个至关重要的道理：对于歌剧这种表演形式而言，最能打动人的也是最重要的组成部分依然是演唱者的表演和演唱。一个能够淋漓尽致地表达出歌剧中人物形象、抒发人物爱恨情仇的演唱者，他的表演是在万人瞩目的体育场、还是绚烂恢弘的大剧院、哪怕是绿草茵茵的田间地头，又有什么关系呢？
参考文献：
[1]王燕.解读普契尼歌剧《图兰朵》中的“中国元素”[D].西南交通大学，2010.
[2]张晓明.论普契尼歌剧《图兰朵》中的戏剧发展与人物形象刻画[D].河北大学，2012.
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[4]聂堂英.普契尼歌剧《图兰朵特》演唱技巧鉴赏[J].湖北函授大学学报，2014（11）.
[5]吕翠翠.普契尼歌剧中真实主义人物形象塑造及演唱教学研究 ——以剧中人物咪咪、托斯卡、柳儿为例[D].江西师范大学，2014.
作者单位：沈阳音乐学院大连校区
